Hara-kiri: Death of a samurai.

Como ya hemos hecho en diversas ocasiones con motivo del estreno en cines de "Hara-kiri" resubimos la reseña que hicimos en su día, en concreto cuando la vimos en el pasado festival de Sitges.

La primera de las dos peliculas de Takashi Miike en el festival era el remake de "Hara-kiri" de Masaki Kobayashi, con el añadido de venir en 3D. Después de la muy grata experiencia del año pasado con "13 asesinos", otro remake de un chambara clásico, el de Osaka repetía en el género dejando muy buen sabor de boca. Con mucha seriedad, ya que esta vez el director no se ha permitido ninguna licencia, y añadiendo más drama y menos acción, el resultado es una excelente película que rezuma el sabor clásico del drama de época de toda la vida, donde el 3D resulta prácticamente anecdótico.

La pelicula narra la historia de Tsugumo un samurai que llega al Clan Iyi y pide permiso para practicarse el seppuku (Harakiri) en su patio, ceremonia durante la cual se quitará la vida seccionándose el estómago, siendo asistido por un samurai que le decapitará durante el proceso. Su voluntad le es concedida, pero antes solicita también poder contar la historia que le ha llevado a tomar esta drástica decisión.


En "13 Asesinos" Miike hizo un excelente trabajo, y se ganó a gran parte del público con esa buena história y ambientación, pero también con la parte final, 45 minutos de acción non-stop en que los 13 samurais se enfrentan al ejército del malvado gobernador. Este es un chambara muy diferente: el original, uno de los mejores films de la história, esta lleno de drama y tensión, pero desde la contención, hasta la inevitable tormenta de espadas del final. Aquí empezaban las dudas para algunos sobre si un director tan especial como el de Osaka sería capaz de hacer un film que se pudiera comparar minímamente con el original.


Las intenciones ya comienzan con el reparto: para el papel principal, con el que Tetsuya Nakadai pasó a la história en la pelicula de 1962, Miike ha elegido a un reconocido actor del teatro kabuki, Ebizo Ichikawa, que realiza una interpretación magnífica, quizás con un inevitable punto teatral, pero un trabajo muy destacable. Para los papeles secundarios, Eita y Hikari Mitsushima, dos actores fuera de toda duda, y el gran Koji Yakusho que nos vuelve a proporcionar otra actuación impresionante llena de fuerza.


El director ha optado por potenciar el drama familiar de los flashbacks, y que este prime por encima de la propia tensión de la situación en el patio. Esto hace que quizás se pierda un poco ese punto de conexión entre el público, la injusticia de la situación y en definitiva las ganas de que el samurai mate a todos los responsables, que tan grande hacía la original. Por raro que parezca para algunos, teniendo opción para ello, Takashi Miike ha preferido hacer una pelicula más seria, contenída y dramática, que regocijarse en el baño de sangre puro y duro.


El uso del 3D en la película es simplemente anecdótico, se utiliza para darle amplitud de campo a los escenarios, con lo que acaba dando la sensación de estar frente a un escenario de teatro. Algunos efectos en el cambio de estaciones, o la nieve que cae en las escenas finales son de los pocos efectos en 3D a propósito, poco más, ya que no hay ningún momento efectista al estilo de las katanas apuntando a la pantalla, ni siquiera planos panóramicos más allá de la anchura del propio patio. El resto de localizaciones son la modesta cása del samurai y algunas escenas exteriores, pero siempre en planos medios y cortos, con lo que tampoco da pie a esas panorámicas.

Técnicamente el director ha vuelto a optar por una puesta escena más auténtica y realísta, tanto los escenarios como la puesta en escena en general buscan la autentícidad, desde los modestos kimonos de la familia del samurai hasta esos paneles rotos de su casa. Austeridad en todos los aspectos para centrarse en la história y en los sentimientos.


Este remake de Hara-kiri no es tan resultón como el de 13 Asesinos, por supuesto, pero creo que es un punto más de credibilidad para Takashi Miike, como director capaz de dar a la película el tono y ritmo necesario para que funcione. Esta vez ha tirado por el camino del drama de época, y teniendo en cuenta que se enfrentaba a rehacer una obra maestra absoluta del cine como el original de Kobayashi, creo que sale muy, pero que muy bien parado.

8´5 de 10.

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Revenge: a love story.

Aprovechando el estreno en cines de "Revenge: a love story" por parte de la distribuidora Atrium Films, junto a Verne Films, resubimos la reseña que hicimos de esta película de Wong Ching-Po en su día.

Probablemente una de las mejores peliculas salidas de Hong Kong en el último par de años, "Revenge: a love story" ofrece mucho más de lo que se puede esperar del CAT III al uso: parte drama, parte thriller sangriento, pero sobretodo mucha emoción y un estilo visual de primera categoría es lo que hace de este titulo un imprescindible, especialmente para los seguidores del cine de HK que tan pocas alegrías se llevan últimamente.

Una serie de crimenes extremadamente crueles comienzan a sacudir, cuando dos mujeres embarazadas relacionadas con oficiales de policia son asesinadas, y su feto extraido y dejado al lado para que muera. El principal sospechoso es atrapado rápidamente: resulta ser Kit, un joven que en los interrogatorios destapa una história de venganza. Ahí retrocederemos al pasado, donde Kit, un simple vendedor callejero, comienza a sentir algo por Wing, una joven estudiante que padece un ligero retraso mental, y que es cuidada por su abuela.


Esta es la segunda producción de 852 films, la compañía de Josie ho y Conroy Chan después del slasher de Pang Ho-Cheung "Dream home", que continúa dando vida al cine de HK con este drama violento, un thriller sangriento que con muy buenos argumentos se convierte en un CAT III de auténtico lujo. La trama se cimenta en una história de amor que se convierte en una de venganza, con aires de slasher pero ambientación noir, y con muchas solidez, llenando poco a poco los huecos de la história a través de flashbacks que relatan la parte más interesante de la história, los inicios de la relación de la pareja, y que muestra como los personajes eran muy diferentes antes de los hechos traumáticos. Es uno de los elementos que me parecen más interesantes y que le dan a la pelicula una mayor dimensión, y es la evolución de los personajes, especialmente en el caso de Kit, el personaje de Juno Mak, que pasa de ser un joven un tanto asocial, a un psicópata sin escrúpulos.


Uno de los cebos para atraer al público puede ser la presencia de la ex AVstar Sora Aoi, que después de peliculas como "Big tits zombie" o "Evil Nurse 2" , sube un poquito el listón en un papel en el que no es que llegue a demostrar mucho más, pero cumple, aunque sea sin pretenderlo, como joven con un cierto retraso mental, de apariencia ida. Sin duda el cambio de idioma es un impedimento para ella, y le da aún más aire de perdida, cosa que favorece a su papel, en el que le hacen el favor de no darle demasiadas lineas de diálogo.

El que está realmente muy bien es Juno Mak, cantante de pop y por lo que se ve amante del cine sangriento; de su puño viene la história de la pelicula, pero le dejó la tarea de escribir el guión a alguien con más experiencia como Wong Ching-Po. Su interpretación es sensacional, si bien al principio le vemos un poco pasado de vueltas, a la que comienzan los flashbacks su parte es mucho más comedida, y con buenos detalles. Un gran trabajo que ya le ha llevado a ganar algún merecido premio.


Wong Ching-Po dirige la que seguramente sea su pelicula (a falta de ver "Fu Bo") que más me gusta, con muchísima sobriedad. Sus anteriores peliculas tampoco estaban nada mal, pero esta me parece en conjunto bastante superior tanto a "Ah Sou" (también conocida como Mob Sister), como a "Jiang Hu", la pelicula de triadas con Andy Lau y Jacky Cheung, visualmente interesantes, pero mucho más irregulares. De los pocos fallos que le puedo poner son esos innecesarios intertitulos con citas que parecen sacadas de la Biblia, fuera de eso su trabajo es magnifico.
A destacar también la fotografía de Jimmy Wong, con colores azulados, muy fria pero visualmente magnífica, jugando constantemente con las sombras. Me ha encantado su trabajo.

Una de las propuestas más duras y serias del panorama cinematografico en Hong Kong la aleja -por suerte para nosostros- del modelo de cine actual en HK, siempre con vistas a la taquilla en la China continental. Este es cine del de siempre, arriesgado, emocionante, escandalósamente sangriento, pero con una história y personajes interesantes.

Una rareza que hace volver, aunque sea momentaneamente, a la variedad de propuestas que siempre ha sido una constante en el cine de HK.

8´5 de 10.

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The Yellow Sea.

Aprovechando el estreno en cines de la película de "The Yellow Sea" resubimos nuestra reseña realizada hace unos meses a raíz de haberla visto en el pasado Festival de Sitges.
No dudéis, si tenéis la oportunidad, de ir a ver a cines una de las mejores cintas asiáticas del año.

Después del éxito en taquilla y sobretodo de critica de "The Chaser", Na Hong-jin vuelve con su segundo film, "The Yellow Sea", una explosión de energía, violencia y caos, que se aprecia y saborea mejor visionado tras visionado. Y es que este excelente thriller es mucho más profundo y esta más lleno de detalles, de lo que a simple vista parece.

Uno de los mejores films de Sitges 2011 es esta pelicula que centra su historia en la comunidad coreana que vive en China (los joseonjok = chino-coreano), en la región de Yanbian, que se situa entre Corea del Norte, China y Rusia, y en concreto en un taxista endeudado que tras enviar a su mujer a Corea del Sur ilegalmente, de la que no sabe nada desde entonces. Decidirá aceptar el encargo de asesinar a un hombre en Corea del Sur para un peligroso y despiadado mafioso, con el fin de buscar a su mujer y saldar su deuda.


Esta película no podría empezar de manera mas contundente que con el antiheróico protagonista interpretado por Ha Jung-woo, contando en voz en off una sórdida anécdota en absoluto trivial sobre un perroque tuvo de pequeño. Cuando este contrajo la rabia, huyó de sus perros vecinos que querían matarlo; años más tarde el perro volvió para morir en su hogar aún sabiendo lo que le esperaba. Ni siquiera el niño pudo evitar que los otros perros escabaran su tumba para comérselo, por lo que la rabia que había desaparecido volvía.
Hay que tener en cuenta esta historia durante toda la película, porque las metáforas de perro-joseonjok son constantes en esta película, los joseonjok son como estos perros rabiosos.


"The Yellow Sea" a pesar de dividir su historia en cuatro capítulos, tiene dos partes muy diferenciadas. La película se transforma de un oscuro thriller con toques sociales y dramatismo, a una película mas de acción de persecuciones y guerras de bandas.

La primera parte nos presenta la situación y los personajes, así como la dura vida de los joseonjok, y todo el trasfondo social de esta comunidad. El director se ha documentado exhaustivamente para mostrarnos la realidad de este pueblo, mayoritariamente involucrada en algún tipo de comercio ilegal. Nos muestra una especie de ciudad sin ley, de tierra de nadie, en la que sus ciudadanos viven con dureza, suciedad, corrupción e incluso alguno de ellos con inocencia.

Na Hong-jin comenta que quería hacer una película sobre un hombre perseguido, sobre un hombre que huye desesperadamente, y en esto se centra mayoritariamente en la segunda parte de la película. Pero a pesar de pasar a un ritmo mas frenético y su transformación a una película ultraviolenta de venganza en su parte final, esta película no pierde en ningún momento el toque trágico, y presenta memorables momentos melancólicos y de drama social e humano.


Aunque Ha Jung-woo (Time) es el protagonista de la película, es sin duda Kim Yun-seok (Running Turtle) quien se lleva los máximos halagos, y es que esta deslumbrante como "monstruoso" jefe mafioso.
Ambos repiten con el director tras "The Chaser" en los papeles principales, Ha Jeong-woo nos presenta una tensa y sombría interpretación, mientras que Kim Yun-seok representa un antagonista muy carismático e impresionante, en especial en las feroces y salvajes escenas de acción.

La dirección y la puesta en escena de Na Hong-jin es sublime, con un apartado técnico muy equilibrado entre lo virtuoso y lo vistoso. No le tiembla el pulso, y nos proporciona unas trepidantes y furiosas escenas de persecución, y sobretodo violentas y feroces peleas con todo tipo de armas blancas, incluida una pierna de cordero asada.


"The Yellow Sea" es un thriller apasionante muy existencial, sobre los impulsos humanos que conducen a los personajes al caos y la violencia, que sigue la estela de la opera prima de Na Hong-jin, pero superándola en muchos sentidos.

Puntuación 8/10

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Himizu, de Sion Sono.

Himizu es un grito desesperado y furioso sobre el malestar existencial de dos adolescentes, sobre la frustración y la confusión de dos jovenes al borde del colapso. Una cinta llena de violencia brutal y constante, tanto física como psicológica, pero también una apuesta atrevida en su enfoque del desastre de Japón.

Sion Sono adapta en esta ocasion un oscuro y violento manga del mismo nombre publicado en el 2001 del mangaka Minoru Furuya, sobre jóvenes desarraigados, actualizándolo e incorporando el mensaje del dolor y de la nueva reconstrucción de Japón tras el tsunami del pasado mes de Marzo, consiguiendo una extraordinaria película, en un principio muy sombría, pero poco a poco más optimista, a pesar de toda la miseria que se nos presenta a lo largo de la historia.

Centra su trama en un joven llamado Sumida, obsesionado con llevar una vida normal y corriente. Cuando el mundo a su alrededor comienza a desmoronarse intenta seguir adelante mirándolo de manera positiva, pero cuando las columnas que aguantanban su "normalidad" acaban por derrumbarse, y los malos pensamientos comienzan a aflorar, tiene que resistir las malas tentaciones.


Todos los personajes del film de alguna manera u otra han sido profundamente afectados por el desastre, aflorando sentimientos de desesperacion y desesperanza.
Sumida malvive en una casa destartalada a la orilla de un lago en el que aún quedan restos del tsunami, en el que su familia perdió todo.
Su mayor deseo es llevar la vida normal de un chaval de su edad, vivir las banalidades de la adolescencia. En lugar de atreverse a soñar, sólo quiere una vida normal, respetable, pero para un perdedor social como él no es nada facil tener una buena vida con esperanzas. El país está al borde de la catástrofe y sus padres lo odian, su madre le abandonó a su suerte y huyó con su amante, y su padre, es un ruin vividor y jugador, que le maltrata brutalmente a palos cada vez que aparece por casa borracho.

Su compañera de clase, Chizawa, no lo tiene mejor, tiene sus propios problemas familiares llenos de maltratos físicos y psíquicos. Aunque es el personaje más optimista del reino de la desesperación en que vivien todos los personajes, y sólo quiere ser amada, sus padres la quieren muerta.

Ambos evidentemente estan destinados el uno al otro, aunque en un principio Sumida rechace agresivamente a Chazawa.


Guiados por la dirección de Sion Sono, Shota Sometani (Yuriko no Aroma) y Fumi Nikaido (Toad´s Oil) ofrecen una actuación impresionante, muy visceral. Sono ha rodado uno de sus mejores trabajos y parte de la culpa es de la pareja de actores protagonistas, que muy meritoriamente recibieron un galardón en Venecia por su trabajo. Sus actuaciones están llenas de intensidad, sinceridad y fuerza.

Sion Sono nos presenta una violencia muy real, natural, familiar y social que mancilla la inocencia juvenil de nuestros protagonistas y les lleva a la soledad, la tristeza y el aislamiento.


La última parte de la película es emocionalmente brutal, dolorosamente real, y extraordinariamente intensa. Pero Sion Sono no quería quedarse en este mensaje oscuro y lugubre, sino que quiere darle un mensaje de esperanza a todo Japón en estos tiempos, diferenciando esta cinta a sus trabajos anteriores.

"No te rindas" es el grito de guerra de esta pelicula que a pesar de estar claramente destinado a Japón y los japoneses, es imposible que no nos llegue a todos al fondo del corazon.

Puntuacion 9/10

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Sitges 2011: Smuggler.

Había muchísimas ganas de disfrutar de la nueva pelicula de Katsuhito Ishii, "Smuggler" basada en un manga del autor de culto Shohei Manabe. Esta vez parecía que el director volvía a la comedia gangsteril del principio de su carrera después de joyas más surrealistas como "The taste of tea" o "Funky forest", y sobretordo de esa elipsis que supuso "My darling the mountains", y así ha sido: "Smuggler" es otro coctel molotov en forma de comedia negra, violencia desatada(mas de la habitual), un repertorio de personajes raros marca de la casa y ese estilo visual de Ishii, que convierte cada uno de sus trabajos en algo especial. Aunque el resultado quizás resulte un tanto disperso como para llegar a considerarla una de sus mejores peliculas, sin duda merece la pena.


Satoshi Tsumabuki (Villain) interpreta a un joven aspirante a actor llamado Ryosuke que trabaja a tiempo parcial en un salón de pachinko. Cuando las deudas le acechan tiene que comenzar a trabajar en un servicio de recogida de "paquetes" muy especial, en el que junto a dos veteranos, se encargará de recoger y deshacerse de cadáveres.


Katsuhito Ishii ha vuelto a su estilo del principio, de peliculas como "Shark skin man & peach hip girl" o "Party 7", en las que un mcguffin le permite crear su personal universo de personajes variopintos y cruzar sus caminos en situaciones complicadas, dándole a todo un tono de comedia negra. Smuggler es una más de este estilo, en que más que la propia trama lo que interesa es disfrutar con ese surtido de personajes y ver que pasa cuando se encuentran unos a otros, siempre con el aliciente del potentísimo estilo visual del director, y ese aire de comedia que convierten a todas sus peliculas -hasta la más relajada de ellas- en algo realmente especial.


Esta vez la violencia tiene más presencia de lo esperado, incluida escena de tortura, aunque con el particular estilo del director que, aunque consigue una ambientación incómoda, lo aligera con una banda sonora muy especial para deshacerse de la seriedad y convertirla en una escena de comedia.
Otro de los elementos que hace que la cantidad de tiros y golpes incremente exponencialmente es la pareja de asesinos chinos Spine y Naizou, interpretados por Masanobu Ando (Sukiyaki Western Django) y Ryushin Tei (Kaiji), que vestidos a juego con un estilo que recuerda a los gemelos de "The Matrix" consiguen las escenas más divertidas y espectaculares de la pelicula con sus cinemáticos golpes y sus desencuentros particulares.


Ellos son sólo dos de ese reparto de personajes extrañísimos, en este caso formado por un misterioso conductor de camión de pasado oscuro (Masatoshi Nagase), su bizarro colega (el inevitable Tetsuya Gashuin), la joven viuda de un jefe mafioso que parace más preocupada por el dinero en juego que por el cadaver de su marido (Hikari Mitsushima) o una "conseguidora de lo imposible", una especie de versión del mítico Sr. Lobo de "Pulp Fiction" en versión gothic lolita (Yasuko Matsuyuki).


Siendo una pelicula absolutamente coral en que cada uno de sus personajes resalta por algún aspecto, ya sea físico o por su personalidad, es curioso que el personaje elegido como "protagonista" sea uno que no tenga ningún rasgo que resalte, sino precisamente el rasgo de no tener ningún rasgo. Satoshi Tsumabuki interpreta al don nadie con buena mano como es habitual en él a pesar de tener un personaje tan soso y poco lucible, pero queda un poco fuera del resto de ambiente que crean el resto de personajes.


La pelicula es entretenida, visualmente el estilo de Ishii luce como siempre buscando recursos impactantes para el espectador, en este caso por ejemplo con el uso de una cámara superlenta, pero el resultado global queda un poco deslabazado, las tramas no acaban de compactarse como deberían y, aunque resulta divertida y tiene un ritmo que evita los bajones, no acaba de cuajar como se esperaba.

Muy disfrutable, pero teniendo en cuenta las espectativas, que eran muy altas, queda por debajo de lo que esperaba. Aún así, no es cuestión de hacerle ningún tipo de asco a nada que venga firmado por Ishii, el divertimento esta asegurado.

7 de 10

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Sitges 2011: A Letter to Momo.

A pesar de que Sitges lleva unos años algo escaso en cuanto a buena animación y en especial japonesa, siempre logra por lo menos hacerse con alguna de esas imprescindibles del año, como en el caso de la segunda película como director de Hiroyuki Okiura, "A letter to Momo", que después de ese clásico en que se ha convertido "Jin-Roh" nos presenta una película totalmente diferente. Y es que parece que tanto él como el estudio de animación IG querían ampliar horizontes y hacer algo mas "familiar", sencillo y encantador.


Al más puro estilo Ghibli, Okiura nos presenta una tierna, bella y mágica película sobre una joven que acaba de perder a su padre en un accidente marítimo y se traslada con su madre a la vieja casa de la familia, en un pequeño pueblo costero. Allí descubre un viejo libro del que, de la noche a la mañana, empiezan a salir yokais (monstruos japoneses mitológicos) que no dejarán de seguirla a todos lados, y con los que a pesar de las molestias iniciales, entabla una extraña amistad.

Por lo que podéis comprobar ya sólo con la sinopsis, la película logra captar toda la esencia de las mejores películas de Ghibli, tomando prestado elementos del clásico (y una de mi película favorita de animación) "Mi vecino Totoro", pero con unos espíritus menos bonachones y más gamberros.


A pesar de los elementos sobrenaturales de la película que la hacen más divertida y fantástica, estamos ante un delicioso drama emocional sobre la pérdida, el arrepentimiento, la familia y el paso de la niñez a la madurez, todo ello de manera sutil sin buscar demasiado la lágrima o el melodrama fácil.

Okiura sabe captar sorprendentemente a la perfección la complejidad de la psicología infantil, mostrándonos una joven protagonista muy entrañable y de gran complejidad, un personaje algo torturado por la perdida de su padre, el significado de la carta innacabada que le deja antes de morir en la que solo ponía "Querida Momo... ", y por no haberse podido despedir propiamente de él, ya que discutieron antes de que este muriera.
Además de mostrarnos toda esta confusión y dificultadad por la que pasa la joven Momo, nos presentan un personaje muy realista gracias a la animación, a sus gestos, sus expresiones y su lenguaje corporal.


La animación es exquisita, muy detallista y muy atractiva visualmente, la producción de esta película tardó siete años en completarse, y tras ver esta maravilla visual que brilla en la pantalla, es fácil entender el por qué, es un hito de la animación artesanal tradicional, se utiliza muy poco el ordenador. Es un prodigio a nivel de diseños y movimientos.

Puntuación 7/10

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Sitges 2011: Tatsumi.

La primera película de animación del cineasta de Singapur, Eric Khoo, es todo un emotivo homenaje al mangaka Yoshihiro Tatsumi, a quien se le acredita generalmente el comienzo de la vertiente artística japonesa conocida como gekiga ("imagen dramática"), comparable en cierta manera con Will Eisner quien acuñó el termino "novela gráfica". El gekiga es un estilo de manga alternativo en Japón que comenzó en 1957, y se caracteriza por estar destinado a un público mas adulto y contar con un dibujo mas realista, así como tratar temas más cotidianos y realistas.


La película adapta de manera excepcional y con mucho cariño y respeto, la prestigiosa obra autobiografica de Tatsumi, “Una vida errante” (publicada en nuestro país en dos tomos por Astiberri), intercalando esas viñetas de su vida con cinco historias cortas independientes, oscuras y trágicas, englobadas en otras obras anteriores del autor (también publicadas en nuestro país por Astiberri y La Cúpula). Todo esto no solo sirve para introducirnos al mundo y obra del escritor, sino como duro y realista reflejo de la época e increíble y conmovedor biopic centrádose en los inicios de la carrera del artista, en su adoración por el mangaka Osamu Tezuka, y la invención del género gekiga.


La cinco poderosas historias que se escogen de entre las ocho favoritas del propio Tatsumi no son al azar, ya que tienen mucho que ver con la parte autobiográfica que nos relata a continuación de cada relato, tanto en relación a la trama como en la época en sucede.

Las cinco historias: "Hell", "Beloved Monkey", "Just a Man", “Occupied”, y "Good-By" tratan temas muy oscuros tales como el asesinato, la mutilación, la prostitución, y el incesto. Historias que presentan la perversidad humana de manera muy cruel y realista.
Con la primera de ellas, "Hell", empieza la película de manera impactante, con una historia sobre la bomba de Hiroshima, durísima y muy emotiva que nos prepara para lo que nos espera, una grandiosa película maravillosamente triste y de una gran belleza.


La animación es poco convencional, muy experimental, se ha optado por explorar una nueva técnica, que adapta el estilo de dibujo del propio Tatsumi, de su característica obra y estilo gegika, una manera mas de Khoo para mostrar su admiracion por este autor. Y es que el director admite que parte de su inspiración creativa en todas sus facetas artísticas ha sido y es Yoshihiro Tatsumi, por lo que es fácil ver cierto paralelismo personal con el tributo que se muestra en el film (y en cierta medida sustenta por ello) de Tatsumi por su ídolo Osamu Tezuka.

El resultado es impresionante, esta llena de imaginacion, creatividad y detalles tanto en la dirección como en la animación. Se opta por el blanco y negro, para poco a poco ir combinando los tonos grises para acabar con un tono sepia, en las cinco historias independientes que nos narra la película. En la parte biografica también se van intercalando diversas técnicas, pero siempre acorde con el propio estilo del autor japones.


Tatsumi es una auténtica joya de una emoción y una sensibilidad muy especial, una adaptación extremadamente cuidada tanto en lo que quiere transmitir, en el retrato de un artista que no acaba de encontrar su sitio en el mundo (con lo que Khoo posiblemente se identifique), y también el retrato de la própia história reciente de Japón, así como en la misma animación.
Simplemente magnifica.

Puntuación 8.5/10

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Sitges 2011: Ninja Kids!

Despues de ver su versión de Hara-kiri, Takashi Miike volvía a Sitges 2011 en la maratón Japan Madness, donde se incluía "Ninja Kids!" su versión del longevo anime Nintama Rantaro, que hemos podido ver en nuestro pais en varias cadenas autonomicas. Esta es una divertidísima película de aventuras sobre un grupo de niños aprendices de ninja, exagerada, acelerada y colorida como Yatterman, pero sin los puntos grotesco-sexuales de aquella, con lo que podemos decir que es la primera pelicula infantil totalmente blanca del director.


El pequeño Rantaro deja a sus padres en la granja familiar para acudir a la escuela Ninja, donde luchará por conseguir llegar a donde no lo hicieron su padre y sus antepasados, y ser un ninja de primera. En la escuela deberá aprender el duro arte del ninja, que no es tan fácil como pensaba puesto que tiene que aprender hasta un manual de supervivencia, además de técnicas especiales para ser los mejores... y aunque sus profesores ponen todo su empeño, Rantaro y sus amigos Shimbei y Kirimaru son los más torpes de toda la escuela.


Ninja Kids es una muy divertida pelicula llena de gags absurdos, efectos especiales bizarros, y caracterizaciones exageradas, una pelicula de aventuras infantiles con la estética anime que ya podíamos encontrar en Yatterman. En definitiva es cien por cine diversión, y de la buena, con todos esos efectos absurdos es dificil no acabar riendo a carcajadas con los innumerables gags que se van sucediendo uno tras otro, especialmente en la primera parte de la pelicula, que sirve para presentar el extenso cast de personajes -todos caracterizados acercándose lo máximo posible al original, igual que sucede con la puesta en escena- y la vida diaria en la escuela. En la segunda parte llega la inevitable competición entre escuelas Ninja, cosa que utiliza Miike para acelerarar el ritmo y utilizar todo lo que han aprendido los crios, un ramillete de trampas ninja de lo más creativas utilizadas por los protagonistas y el resto de clanes ninja rivales.


La diferencia principal con las anteriores películas del director es que esta vez no hay ninguno de esos "toques Miike" sexuales o bizarros, con lo que se puede confiar en que el film es realmente para todos los publicos: aqui lo mas lejos que ha llegado es con los gags sobre pedos, los mocos que salen disparados cada vez que alguien es golpeado y sale volando por los aires, los chichones de goma... todo realmente muy inocente. La película además esta llena de efectos y situaciones muy divertidas, como las apariciones de un personaje que detiene la acción para explicarnos los diferentes tipos de ninja -porque hay clases- o cualquier otro detalle del film, de una manera muy divertida.


El grupo de crios protagonista hace un trabajo sensacional, destacando el de Seishiro Kato, que interpreta a Rantaro con energía y despertando mucha simpatía. Ojo al grupo de secundarios adultos que ha reunido el director con Susumu Terajima y Takahiro Miura a la cabeza como maestros de la escuela Ninja, veteranísimos como Arata Furuta, Akira Emoto y Hiroki Matsukata, Anne Watanabe (la hija de Ken Watanabe), Rei Dan y Shiro Nakamura como papás de Rantaro, además del incombustible Naoto Takenaka.


Con sus caracterizaciones pasadas de vuelta y sus efectos exagerados, es lo más cercano (de nuevo) a ver anime en imagen real. Diversión total para todos los públicos, id preparando un buen bol de palomitas para disfrutar las aventuras de estos jóvenes ninjas.

8 de 10

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Sitges 2011: Encuentro con los directores surcoreanos.

El martes haciamos hueco no para una película sino para el encuentro con los tres directores presentes este año en el festival de Sitges: Na Hong-Jin, que presentaba su nueva película "The Yellow Sea"; Ryoo Seung-wan, que ademas de tener "The Unjust" en la programación, era el presidente del jurado de la sección a competición; y Yim Pil-Sun (Hansel & Gretel), que estaba como jurado en el festival en la sección Animat y Casa Asia.

Con ganas acudiamos al encuentro para conocer un poco más a los directores y el funcionamiento del cine surcoreano, casi hora y media de lo mas interesante e instructivo, eso si, gracias a Ryoo Seung-wan, quien mejor repondió y comportó, no como un adormilado Na Hong-Jin que parecia no tener ganas, no solo de no contestar nada, sino de estar en cualquier parte menos alli.


La primera pregunta fue para Ryoo Seung-wan al que se le preguntó por su admiración por Park Chan-wook, con quien trabajó como ayudante de dirección de Park Chan-wook, y al que respetaba desde la epoca como critico al director de OldBoy.

La siguiente pregunta originó un debate y una serie de preguntas posteriores, sobre como seguia afectando la reducción de la cuota de pantalla del cine surcoreano. Un tema que ya comentamos en su dia y que creó un gran revuelo y protestas en su país.
Ryoo Seung-wan fue quien comentó de forma mas contundente, que el cine independiente es el que mas se ve afectado por este tema, y que el tema de la cuota de pantalla no es lo único que afecta al cine surcoreano, sino la piratería y el monopolio de la distribución, ya que unas cuantas empresas son las que controlan las salas de cine y deciden que se estrena y que no.

El tema de la piratería volvia a salir mas tarde con Yim Pil-Sun, que comentó que en Corea del Sur se protegía más a las empresas de telefonía que a la indústria cinamatográfica. El la consideraba una batalla perdida, ya que en el bus de camino al trabajo, al tener un ancho de banda tan potente, te puedes descargar una película.
Gloria Fernández de Cineasia, moderadora del encuentro comentó a los directores que sin ánimos de defender la pirateria, hay que considerar que en muchas ocasiones es el único medio de conseguir películas asiaticas (y sino fuera por ello no conoceriamos a estos cineastas). Aunque Pil-Sun, pedía un poco de sacrificio por parte del espectador, y comprar via importación, como el hacía con películas como "Balada Triste de trompeta", Seung-wan comentó que cada país debe ocuparse de la piratería de su propia produción, que a él y la cinematografia surcoreana no le afectaba la piratería del cine surcoreano en España.


El tema de la piratería y de la cuota de pantalla nos llevó al tema de la pobre distribucion del cine surcoreano internacionalmente, y en concreto en nuestro país, un tema que encuentran interesante y agradecen estar presentes en festivales, pero tampoco les afecta tanto, ya que ellos les interesa ver como funcionan sus películas en su país.
Yim Pil-Sun añadió que Hansel y Gretel fue un relativo fracaso en taquilla en Corea del Sur, pero curiosamente esta editada en muchos paises y fue invitada a diversos festivales (como Sitges). Hablando de Hansel y Gretel se le preguntó a su director por la película, como se le ocurrió el tema de actualizar el cuento clasico de esa manera, a lo que respondió que simplemente quería hacer una version fantastica y coreana del cuento, aunque para ello se gastó demasiado dinero.

A Ryoo Seung-wan tambien se le preguntó por The Unjust y su "mala leche" politica, a lo que contestó que, efectivamente, esa corrupción existe en su país y que agradece mucho que el publico de su país haya respondido tan bien a la película, porque puede que haya abierto un debate con ello en su país.


Como uno de los temas interesantes tratados en el encuentro que nos falta comentar es el del pesimismo del cine coreano, y si estaba relacionado por su carácter y con la historia de su país, tanto por el tema de las dos Coreas, como el haber estado gran parte de su historia invadidos por otros paises.
Na Hong-Jin y Yim Pil-Sun comentaron que quien comentaba esto era cosa de ellos, que no hay tal pesimismo en el cine surcoreano (emho: mentira), que era porque solo veiamos este tipo de cine surcoreano (emho: mentira) y este era el cine que solía acudir a los festivales internacionales.
Menos mal que Ryoo Seung-wan estaba mas receptivo y discrepó. Y nos comentó que puede ser pero no sólo en cuanto al lenguaje cinematografico se veia afectado por esta tragedia historica y cultural, sino en la literatura, ya que una de las obras (y heroes) más clasicas e importantes del país, Hong Gil Dong, tambien tiene ese aire trágico.

Acababamos con el encuentro tal como lo empezamos, con una pregunta para Ryoo Seung-wan en este caso sobre una posible secuela de Dachimawa Lee, a lo que contestó (entre carcajadas) con un contundente NO.

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Sitges 2011: Sector 7

Después de estar esperando verla desde la primera notícia de que el proyecto se ponía en marcha, después de toda la espectación, de los trailers y las primeras imágenes, y después de saber que había sido seleccionada en Sitges, y que la podríamos ver en 3D, Sector 7 ha resultado una pelicula decepcionante. Por suerte para nosotros habíamos leído algunas reseñas de sus primeros pases, y el paso por taquilla este verano no ha sido tan espectacular como todo el mundo pensaba, con lo que las primeras bombillas de alarma se habían encendido, y las espectativas habían bajado.
¿Y que nos queda? pues una pelicula de acción con un guión flojisimo, algunos momentos de verguenza ajena, de ritmo entretenido y buenos efectos, pero en definitiva, una oportunidad desaprovechada.


Empecemos con lo malo. Lo peor de todo es el guión , terrible, malísimo, lleno de tópicos , gags sin gracia y una falta de coheréncia en algunos momentos que críspan los nervios de cualquiera. La história no es mala, es tan tópica como pueda llegar a escribirse, pero no es un desastre, con mucho menos han salido peliculas de acción magnificas. Y es que lo lo segundo peor son algunos de los personjaes: tenemos al tontaina feo enamorado de una doctora (alguien a quien no le dejarian ni acercarse a una plataforma petrolifera), el gracioso torpón, al médico olvidadizo, al capitán rencoroso. Un equipo de memos que hacen que cualquier tipo de esperanza de que Sector 7 fuera un film más o menos serio se desvanezca en los minutos iniciales de desconcertante presentación de personajes.


En el espacio de lo regular estaría el personaje de Ha Ji-won (que no el trabajo de la actriz, que creo es de lo más aprovechable del reparto). En teoría es una chica dura, que ha sufrido la perdida de su padre y sigue trabajando un poco a modo de venganza en la misma plataforma petrolifera donde el falleció. Ella es la que manda en su relación de pareja con otro operario de la plataforma, con el que se dedica a hacer carreras de moto por la plataforma (?).
Una Ripley a la coreana, si no fuera por ciertos momentos de debilidad, com los agudísimos gritos que suelta en muchas de las situaciones de peligro. No es que el personaje tenga porque ser una roca inamovible, y me gusta que por ejemplo mantenga la feminidad, pero creo que hay algunas situaciones en el film en que no me acaba de cuadrar el personaje del todo.


En el lado postivo, queda que a pesar de todo es un film entretenido, por lo menos el ritmo es correcto y aunque sea predecible y el principio de presentación de personajes un poco pesado, en cuanto empiezan a suceder cosas la pelicula se deja ver.

El otro punto positivo, y muy importante en este caso, es que los efectos están más que bien. Aunque tenga problemas especialmente con algunas escenas de pantalla verde, el monstruo luce bien y no nos lo esconde, en cuanto que empieza a actuar lo vemos completamente, y en cuanto que comienza la acción y los efectos están cási en cada escena, cumplen sobradamente.


Destacables las escenas submarinas, que consiguen un look magnífico tanto de belleza como de oscuridad y peligro. La primera escena del film, un flashback donde vemos al padre de la protagonista, me pareció de lo mejor de la pelicula visualmente, así como otra escena en que vemos un banco de medusas.
En un segundo visionado en 2D -porque me la he vuelto a tragar en casa- he visto que algunos efectos de CGI, y también algunos decorados no quedan tan bien y los actores no acaban de casar bien con los fondos, pero en el 3D -que a mi me pareció más que correcto- se veían mucho mejor.


Otro elemento destacable es como cási siempre en las peliculas surcoreanas el aspecto técnico, tanto la puesta en escena, los decorados, especialmente esos pasillos de al plataforma petrolífera, como la fotografía, que me parece que por lo menos el film sea atractivo visualmente.

Una pena. Podría haber sido una magnifica pelicula de acción y ciencia ficción, pero con un guión como este se queda en una pelicula floja que por lo menos es entretenida.
Otra vez será.

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